Ein Meisterwerk der Romantik

Ich ha­be das Bal­lett ge­wählt, weil es ein Meis­ter­werk des 19. Jahr­hun­derts ist. Der zwei­te Akt ist in sei­ner Schön­heit und Rein­heit, in der Art, wie er die Ge­schich­te al­lein durch Tanz er­zählt, bis heu­te un­er­reicht. Außer­dem ist es ein Bal­lett mit sehr tie­fer Be­deu­tung – es geht um Tran­szen­denz, um Selbst­ver­wand­lung, um die Su­che nach wah­rer, be­din­gungs­lo­ser Lie­be und trägt so ei­ne tief­grei­fen­de, exis­ten­zi­el­le Bot­schaft über die mensch­li­che Ent­wick­lung in sich.

Ich wur­de wäh­rend mei­ner Zeit beim A­me­ri­can Bal­let The­a­t­re von E­le­na Tschern­ischo­va, die da­mals Ers­te Bal­lett­meis­te­rin war, in der Rol­le der Gi­selle ge­coacht, als ich mit 21 mein De­büt in der Fas­sung von Mi­khail Barysh­ni­kov gab. Sie hat­te ein wun­der­ba­res Au­ge und ei­ne gro­ße künst­le­ri­sche Kom­pe­tenz. Ich war sehr jung und E­le­na sehr fürsorg­lich und lie­be­voll. Sie war ei­ne Art Ad­op­tiv­mut­ter für mich. In Wien hat­te sie na­tür­lich ei­ne an­de­re Rol­le als Di­rek­to­rin der Com­pa­gnie.

Ih­re Fas­sung von Gi­selle un­ter­schei­det sich nicht we­sent­lich von den meis­ten an­de­ren klas­si­schen Ver­sio­nen. Es sind nur klei­ne De­tails, die va­ri­ie­ren. Ich wür­de je­doch sa­gen, je­ne von Tschern­ischo­va ist sehr mi­ni­ma­lis­tisch ge­hal­ten, was sich auch in der Aus­stat­tung zeigt. Büh­nen­bild und Kos­tü­me be­tref­fend ist es ei­ne sehr ei­gen­stän­di­ge Ver­si­on mit ei­ner be­son­de­ren Farb­dra­ma­tur­gie, in der fast al­les in schwarz-weiß oder grau-blau ge­hal­ten ist. Mir ge­fällt, dass Gi­selle und Ba­thil­de im ers­ten Akt fast die Ei­ni­gen sind, de­ren Kos­tü­me sich farb­lich ab­he­ben, was ei­nen vi­su­ell be­ein­dru­cken­den Ef­fekt er­zeugt. Cho­reo­gra­fisch hat sie un­ter an­de­rem die Rol­le von Hi­la­ri­on vor al­lem im zwei­ten Akt stark aus­ge­baut. Man braucht da­her ei­nen wirk­lich gu­ten Tän­zer für die­se Rol­le.

An der Cho­reo­gra­fie an sich wird sich nichts än­dern, die­se bleibt der Ver­si­on von E­le­na Tschern­ischo­va treu. Ich ha­be le­dig­lich die Er­öff­nung des »Bau­ern-Pas de deux« zu ei­nem Pas de qua­tre für zwei Bau­ern­paare um­struk­tu­riert. Gi­selle und Al­brecht wer­den nur das A­da­gio tan­zen, wäh­rend die Va­ria­tio­nen und die Co­da von den vier an­de­ren Tän­ze­rin­nen ein­zeln dar­ge­bo­ten wer­den.

Dra­ma­tur­gisch schien es mir bes­ser zur Ge­schich­te zu pas­sen, dass Gi­selle nicht so vie­le So­li tanzt. Ihr ur­sprüng­li­ches So­lo drückt ih­re Freu­de und Lie­be zum Tanz aus, was ih­re be­sorg­te Mut­ter we­gen Gi­selles schwa­chem Her­zen nur in ei­nem be­son­de­ren Mo­ment zu­lässt. Dass sie wäh­rend des ge­sam­ten Ak­tes so aus­gie­big tanzt, passt mei­ner An­sicht nach nicht zu ih­rem Cha­rak­ter, eben­so we­nig wie die Tat­sa­che, dass Al­brecht mit den Bau­ern tanzt. Die­se klei­ne Än­de­rung bie­tet auch ei­ne wun­der­ba­re Ge­le­gen­heit für vie­le jun­ge Tän­ze­rin­nen, auf der Büh­ne zu glän­zen – et­was, das mir sehr am Her­zen liegt.

Ich ha­be gro­ßes In­ter­es­se dar­an und lie­be es, die Tän­ze­rin­nen in ei­nem Bal­lett zu coa­chen, das ich selbst in vie­len ver­schie­de­nen Com­pa­gnien – dar­un­ter in New York, Lon­don, Mai­land, To­kio und Bue­nos Ai­res – so­wie in un­ter­schied­li­chen Ver­sio­nen von Barysh­ni­kov, Pier­re La­cot­te und Pa­tri­ce Bart ge­tanzt ha­be.

Die­ses Bal­lett be­glei­tet mich seit et­wa 40 Jah­ren, es ist ein Werk, das ich in- und aus­wen­dig ken­ne. Mit den Tän­ze­rin­nen zu ar­bei­ten ist für mich ein Ge­schenk, weil ich das Bal­lett da­durch noch ein­mal selbst er­le­be, in­dem ich ih­nen hel­fe, den wah­ren Kern, die tie­fe­re Be­deu­tung des Stücks zu ent­de­cken. Ich den­ke, es ist ei­nes der schwie­rigs­ten Bal­let­te, und die­ses zu ver­ste­hen und dar­zu­stel­len braucht ein Le­ben lang. Als rei­fer Mensch ver­steht man die Rei­se von Gi­selle, die ei­gent­lich ei­ne Rei­se von uns al­len ist.

Akt eins und zwei sind sti­lis­tisch so un­ter­schied­lich, und da­ran zu ar­bei­ten ist eben­falls ei­ne Her­aus­for­de­rung. Es geht dar­um, die Tech­nik so ein­zu­set­zen, dass man das Ge­fühl ver­mit­telt, ei­ne See­le tanzt und nicht bloß ein phy­si­scher Kör­per. Das braucht Zeit. Aber es ist ein wirk­lich fas­zi­nie­ren­des Bal­lett so­wohl für Al­brecht als auch für Gi­selle. Ich wür­de sa­gen, es sind wahr­schein­lich die größ­ten Rol­len des Bal­letts im 19. Jahr­hun­dert.

Es sind Rol­len, die die Mensch­lich­keit dar­stel­len – und das lie­be ich. Es geht nicht nur um die Ge­schich­te an sich, son­dern um die emo­tio­na­le Ebe­ne, die da­hin­ter­steckt.

Gi­selle wird für mich im­mer ein er­staun­li­ches Meis­ter­werk blei­ben. Es ist die Kom­bi­na­ti­on aus wun­der­schö­ner Cho­reo­gra­fie und ei­ner Ge­schich­te, die un­ter der Ober­flä­che so viel mehr er­zählt. Selbst wenn man es nicht be­wusst wahr­nimmt, be­rührt es ei­nen tief. Man soll­te die­ses Bal­lett als ei­ne trans­for­ma­ti­ve Er­fah­rung se­hen, als Kon­takt mit der ei­ge­nen See­le, dort, wo Le­ben und Lie­be woh­nen.

Das ist es, was Gi­selle aus­macht.