Ein großer Teamplayer des Musiktheaters

In der deutsch­spra­chi­gen Mu­sik­thea­ter-Land­schaft macht der Re­gis­seur Dirk Schme­ding seit ei­ni­ger Zeit nach­hal­tig auf sich auf­merk­sam.

Auch in Ös­ter­reich ist er seit sei­nen über­aus er­folg­rei­chen In­sze­nie­run­gen von Schwan­da, der Du­del­sack­pfei­fer und Ve­nus in Sei­de am O­pern­haus Graz so­wie von Die stum­me Se­re­na­de am Thea­ter an der Wien al­les an­de­re als ein Un­be­kann­ter: Nun freut Schme­ding sich auf sein Staats­o­pern­de­büt mit Sme­ta­nas Ver­kauf­ter Braut.

Seit sei­ner Erst­be­geg­nung mit die­ser O­per als Schü­ler und O­pern­neu­ling füh­le er sich von ih­rer un­bän­di­gen Vi­ta­li­tät ge­packt, so Schme­ding. Zu­gleich sei das Werk von ei­ner Me­lan­cho­lie durch­drun­gen, die nie sen­ti­men­tal oder pa­the­tisch da­her­kä­me, son­dern wei­se, eben­so »le­bens­wei­se« wie die Ko­mö­di­en Shake­spea­res und Mo­zarts.

Wir ma­chen Sie auf den nächs­ten Sei­ten mit drei sei­ner In­sze­nie­run­gen aus den letz­ten Jah­ren in Wort und Bild be­kannt. Ser­gio Mo­ra­bi­to, ehe­ma­li­ger Chef­dra­ma­turg der Wie­ner Staats­oper, hat Schme­dings Ar­beit seit ih­ren An­fän­gen in Wei­mar und Stutt­gart kon­ti­nu­ier­lich ver­folgt.

Im Som­mer 2019 in­sze­nier­te Schme­ding am Thea­ter Os­na­brück Guer­cœur von Al­bé­ric Mag­nard (1865–1914). Es han­del­te sich um die ers­te sze­ni­sche Wie­der­auf­füh­rung der O­per seit ih­rer post­hu­men Ur­auf­füh­rung 1931 in Pa­ris. Das Werk ist in sei­ner Ver­bin­dung von Spi­ri­tua­li­tät und po­li­tisch-kon­kre­ter Dies­seits­hof­fung be­mer­kens­wert. Dass Guer­cœur an­läss­lich der Os­na­brü­cker Neu­in­sze­nie­rung von der Kri­tik als »Stück der Stun­de« be­grüßt wur­de, ist durch­aus nach­voll­zieh­bar. Mag­nard trat mit ihm als über­zeug­ter Re­pu­bli­ka­ner und Eu­ro­pä­er ge­gen Re­ak­ti­on und Chau­vi­nis­mus an.

Das Stück er­zählt die Ge­schich­te des Läu­te­rungs­we­ges ei­nes re­pu­bli­ka­ni­schen Frei­heits­kämp­fers. Im ers­ten Akt pro­tes­tiert Guer­cœur im Jen­seits ge­gen sei­nen Tod und wird end­lich von der Al­le­go­rie der Vé­ri­té (Wahr­heit) ins Le­ben zu­rück­ge­schickt, nicht zu­letzt auf Für­spra­che der Souf­fran­ce (des Lei­dens), denn auf sei­nem sieg­rei­chen Le­bens­weg war er dem Lei­den nie be­geg­net. Zwei Jah­re sind seit sei­nem Tod ver­gan­gen, doch die Welt ist nicht mehr die, die er ver­las­sen hat­te: Sei­ne ge­lieb­te Gi­sel­le hat ihr an sei­nem Ster­be­la­ger ab­ge­leg­tes Treue­ver­spre­chen zu­guns­ten sei­nes einstigen po­li­ti­schen Zieh­sohns Heur­tal ge­bro­chen. Die­ser ist zum zy­ni­schen Po­pu­lis­ten ver­kom­men und schickt sich an, das eman­zi­pa­to­ri­sche Ver­mächt­nis Guer­cœurs zu schleifen. In den Wir­ren des Macht­kamp­fes fällt Guer­cœur und geht, dies­mal um­fas­send ge­schei­tert, wie­der ins Jen­seits ein. Dort ver­heißt die Vé­ri­té die Uto­pie ei­ner künf­ti­gen be­frei­ten Ge­sell­schaft, u.a. mit den Wor­ten: »Die Ver­mi­schung der Ras­sen und Spra­chen wird der Mensch­heit ei­ne Kul­tur des Frie­dens ge­ben.«

Am stärks­ten hat es dem Kom­po­nis­ten (wie vie­len Fran­zo­sen) der Par­si­fal an­ge­tan. Nach­klän­ge von des­sen Lei­dens­ak­zen­ten, sub­li­mer Er­lö­sungs­poe­sie und zart-ver­han­ge­nem, im­pres­sio­nis­ti­schem Vor­früh­ling prä­gen die zwi­schen 1897 und 1900 ent­stan­de­ne Par­ti­tur. (Un­be­dingt soll­te man die Ein­spie­lung un­ter Mi­chel Plas­son von 1987 nach­hö­ren.)

Os­na­brück hat das groß­for­ma­ti­ge Werk mit gro­ßem Ein­satz auf al­len Ebe­nen be­ein­dru­ckend ge­stemmt. Ne­ben dem So­lis­ten­en­sem­ble wur­de auch der Chor so­wohl in den ar­chai­sie­ren­den, na­he­zu li­tur­gi­schen Rah­men­ak­ten als auch in den Ak­ti­ons-Cho­ren des zwei­ten Ak­tes den Auf­ga­ben ge­recht – eben­so das Or­ches­ter, das wohl nur auf­grund ei­ner re­du­zier­ten Be­set­zungs­grö­ße der ge­for­der­ten spät­ro­man­ti­schen Klang­fül­le viel­leicht nicht in je­dem Mo­ment ent­spre­chen konn­te.

Dirk Schme­ding und sein Team (Büh­ne: Mar­ti­na Seg­na, Kos­tü­me: Frank Lich­ten­berg) gin­gen mit gro­ßer vi­su­el­ler Fan­ta­sie und phan­ta­sie­voll-spie­le­ri­scher Leich­tig­keit vor, was im­mer wie­der zu klug ge­setz­ten Bre­chun­gen führ­te. Im kon­tem­pla­ti­ven drit­ten Akt kon­tra­punk­tier­te Schme­ding die be­schwo­re­ne Uto­pie zu­nächst mit Re­a­ni­mie­rungs­ver­su­chen Guer­cœurs, dann der Aus­stel­lung sei­nes To­ten­scheins und der Auf­bah­rung und Ein­äsche­rung des zum zwei­ten Mal und nun ge­walt­sam zu To­de Ge­kom­me­nen.

Da­für hat­te Schme­ding sei­ne Dar­stel­ler ganz of­fen­sicht­lich von ei­nem Not­arzt­team so­wie ei­nem pro­fes­sio­nel­len Lei­chen­ver­bren­ner ein­wei­sen las­sen, wie mir der In­ten­dant Ralf Wald­schmidt nach der Auf­füh­rung be­stä­tig­te: Ge­sti­sche Prä­zi­si­on als Vor­aus­set­zung ästhe­ti­scher Schär­fe und Trif­tig­keit. Zu Recht sprach die über­re­gio­na­le Kri­tik von ei­ner »sze­nisch stren­gen, Geist und In­ten­tio­nen des Stücks in kei­nem Mo­ment ver­ra­ten­den Re­a­li­sie­rung«.

Schme­dings In­sze­nie­rung wur­de in der Kri­ti­ker­um­fra­ge der Opern­welt zur »Wie­der­ent­de­ckung des Jah­res« ge­wählt und für die In­ter­na­tio­nal O­pe­ra Awards 2020 no­mi­niert.

Im De­zem­ber 2021 folg­te in Graz als Schme­ding-Pre­mie­re Svan­da du­dák. Die­sen 1927 in Prag ur­auf­ge­führ­ten »Tanz auf dem Vul­kan« der tsche­chisch-böh­mi­schen Na­tio­nal­mu­sik, der – über den no­to­ri­schen Um­weg ei­ner deut­schen Max-Brod-Be­ar­bei­tung als Schwan­da, der Du­del­sack­pfei­fer – zum Welt­er­folg wur­de (Wie­ner Staats­oper, Co­vent Gar­den, Met …), kurz be­vor die Na­zis das Werk Ja­ro­mír Wein­ber­gers, des Tsche­chen mit jü­di­schen Wur­zeln, aus den Spiel­plä­nen ver­ban­nen, um 1938 in sein Land ein­zu­fal­len, ha­ben der Re­gis­seur und sein Team als eben­so o­pu­len­te wie in­tel­li­gent-wit­zi­ge Re­vue auf die Büh­ne ge­bracht.

Da­bei ge­lang es dem Re­gis­seur auch auf ei­ner ex­trem sti­li­sier­ten Büh­ne die an­rüh­ren­de Drei­ecks­ge­schich­te zwi­schen dem bäu­er­li­chen Du­del­sack­vir­tuo­sen, sei­ner frisch an­ge­trau­ten Do­rot­ka und Ba­bin­sky – ei­nem böh­mi­schen Ro­bin Hood, der als Agent Pro­vo­ca­teur die bei­den tsche­chi­schen Lan­dei­er zu ei­ner Rei­se »vom Him­mel durch die Welt zur Höl­le« ver­führt –, kon­kret, plas­tisch, da­bei dif­fe­ren­ziert und mit lie­be­vol­ler Ge­nau­ig­keit zu er­zäh­len.

Er ver­moch­te da­bei so­gar auch Ganz­kör­per­kos­tü­me (wie die Pin­gui­ne, die den Hof­staat der Eis­kö­ni­gin for­mie­ren, oder das wel­ke Fleisch des Höl­len­fürs­ten) spie­le­risch zu be­le­ben und zu be­glau­bi­gen. Den Fol­klo­re-O­ver­kill der Par­ti­tur be­geg­ne­te die Auf­füh­rung mit geis­tes­ge­gen­wär­ti­ger Fan­ta­sie.

Nicht die ra­san­ten Pol­kas, Fu­ri­ants und Oz­de­meks – bei de­nen der Max-Re­ger-Schü­ler Wein­ber­ger in­stru­men­ta­to­ri­sche und kon­tra­punk­ti­sche Satz­küns­te spie­len lässt, die in ei­ner vir­tuo­sen Or­ches­ter­fu­ge gip­feln, mit der Schwan­da der Höl­le ein­heizt –, aber die sen­ti­men­tal-auf­ge­don­ner­ten Schmul­zen wä­ren in ei­ni­ger we­ni­ger bril­lan­ten In­sze­nie­rung viel­leicht nicht ganz so gut zu er­tra­gen.

Schme­ding hat sich in mei­ner Wahr­neh­mung von Auf­füh­rung zu Auf­füh­rung ei­ne im­mer si­che­re­re und frei­e­re Thea­ter­spra­che er­ar­bei­tet, die zu gro­ßen Hoff­nun­gen be­rech­tigt.

Im Sep­tem­ber 2023 brach­te Dirk Schme­ding am Staats­thea­ter Darm­stadt Of­fen­bachs Hoff­manns Er­zäh­lun­gen auf die Büh­ne. Ge­mein­sam mit Ro­bert Schweer (Büh­ne), Brit­ta Leon­hardt (Kos­tü­me) und der Cho­reo­gra­fin Ra­che­le Pe­droc­chi schuf er ei­ne In­sze­nie­rung, die ästhe­tisch ge­wa­gt und zu­gleich völ­lig stim­mig ist. Schme­ding zeig­te sich da­bei als ech­ter Team­play­er, der die Im­pul­se sei­ner Dar­stel­ler mit­rei­ßend und prä­zi­se ka­na­li­siert.

Der Abend er­zählt von der un­mög­li­chen Be­zie­hung zwi­schen Hoff­mann, dem ver­sof­fe­nen Künst­ler-Na­rzis­ten-Ge­nie, und sei­ner Mu­se, die ihn durch Hö­hen und Tie­fen be­glei­tet. Die Büh­ne: ein voll­ge­stopf­tes Ein­zim­mer-Apar­te­ment mit Bett, Mood­board, Skiz­zen­kar­tons und ei­nem mann­ho­hen Kühl­schrank. Aus die­sem ent­wächst zu­nächst der Chor der Geis­ter von Wein und Bier, be­vor die gro­ße HOFF­MANN-So­lo­show be­ginnt – Hoff­mann Per­for­mer und Pu­bli­kum zugleich, wäh­rend der ge­sam­te Chor in Glit­zer­ja­cken sein ei­ge­nes Su­per­star-Ich fei­ert.

Die Mu­se bleibt Be­ob­ach­te­rin und ver­sucht, Hoff­mann im­mer wie­der vom Ab­grund sei­ner Hy­bris zu­rück­zu­ho­len. Sze­ni­sche De­tails wie ein über­di­men­sio­nier­ter Fla­schen­öff­ner als Ba­la­lai­ka, ge­fie­der­te Ster­ne, to­te Vö­gel und rie­si­ge Tau­ben-Skulp­tu­ren sor­gen für su­rea­le Bild­ge­walt und me­lan­cho­li­sche Zwi­schen­tö­ne. Schme­ding ge­lingt es, Show­ef­fek­te und poe­ti­sche Mo­men­te zu ver­bin­den, oh­ne dass die In­sze­nie­rung in blo­ße Ef­fekthasch­erei kippt.

Hoff­manns Cha­rak­ter wird als un­ver­bes­se­r­li­cher Traum­tän­zer ge­zeigt, ähn­lich Mas­troi­an­nis Rol­len in Fel­li­nis Fil­men. Wie in Gin­ger und Fred spie­gelt sich sein Le­ben in der Re­vue sei­ner Träu­me. Das De­kor der Bin­nen­ak­te setzt Schweer aus den ver­frem­det-ver­viel­fach­ten Ele­men­ten des Haus­halts mit der Mu­se zu­sam­men. Die Büh­ne bleibt leer, ein schwar­zes Loch, über dem Hoff­manns Glit­zer-Ko­me­ten­schweif funkt.

Am Ende, als alle Dop­pel­gän­ger zu­sam­men­ge­bro­chen sind, sen­ken sich zwei Alt­glas-Con­tai­ner her­ab – für Braun- und Grün­glas. So gna­den­los wur­de Hoff­mann sel­ten »ent­sorgt«. Die Mu­se schafft es, sich von ihrem Part­ner zu lö­sen. Er strandet als Wrack vor den Con­tai­nern, wäh­rend aus dem Off die Apo­theo­se er­klin­gt: »Des cen­dres de ton cœur ré­chauf­fe ton gé­nie«.

Be­son­ders im­po­nie­rend sind die Dar­stel­ler: Sol­gerd Isalv (Mu­se/Nick­laus­se) mit ma­gne­ti­scher Prä­senz, Mat­thew Vi­ckers (Hoff­mann) in phy­si­scher Höchst­form, Ju­lia­na Za­ra als kraft­vol­le Ol­ym­pia, Me­gan Ma­rie Hart mit dun­kel tim­brier­tem So­pran als Anto­nia und Ja­na Bau­mei­ster (Giu­liet­ta) et­was küh­ler im Aus­druck. Der Chor agier­te hoch mo­ti­viert, Da­niel Cohen lei­te­te das Or­ches­ter stil­voll. Ge­spielt wird wei­test­ge­hend die Gui­raud-Re­zi­ta­tiv­fas­sung in der kri­ti­schen Neuaus­ga­be von Jean-Chris­tophe Keck.

Fa­zit: Schme­dings Hoff­mann ist eine In­sze­nie­rung von sel­te­ner Ba­lan­ce – waghalsig, ver­spielt, vi­su­ell bril­lant und gleich­zei­tig tief me­lan­cho­lisch. Ein Abend, der Team­geist, Fan­ta­sie und szenische Prä­zi­si­on auf be­ein­dru­cken­de Wei­se ver­eint.